Equipamientos de la ciudad

Los equipamientos (culturales) tienen la condición de ser "monumentos" e "instrumentos". Son considerados como un artefacto simbólico y un centro cultural donde albergar el producto de mayor virtualidad simbólica, la cultura. Estos equipamientos acogen una gama más o menos amplia de servicios y actividades. Constituyen un indicador imprescindible en sus políticas de referencia (sociales, culturales y educativas). Desde los equipamientos de la ciudad tales como centros cívicos, socioculturales, casas de la cultura, etc. constituyen el espacio físico y simbólico desde el que implicar procesos de participación ciudadana favoreciendo el sentido de pertenencia a la ciudad. En estos equipamientos se lleva a cabo un aprendizaje permanente, donde se aprende a vivir en común la realidad, intercambiar ideas, encuentro entre ciudadanos y un instrumento para la igualdad y la cohesión social.

Basurama

Basurama es un colectivo dedicado a la investigación, a la producción  y a la gestión cultural desde 2001 que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que éstos implican y sus posibilidades creativas.

Nacido en la Escuela de Arquitectura de Madrid ha ido evolucionando y adoptando nuevas formas desde sus orígenes. Pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. Detecta resquicios dentro de estos procesos de generación y consumo que no sólo plantean interrogantes sobre nuestra forma de explotar los recursos, sino también sobre nuestra forma de pensar, de trabajar de percibir la realidad.

Basurama se ha propuesto encontrar los residuos allí donde no sería tan obvio hallarlos y estudiar la basura en todos sus formatos. Con el tiempo Basurama se ha convertido en un evento pluridisciplinar en el que se desarrollan simultáneamente actividades dispares pero con un enfoque común. Tienen cabida todo tipo de talleres, ponencias, conciertos, proyecciones, concursos y edición de publicaciones. Se pretende también establecer una plataforma para que entren en contacto y trabajen juntos personajes del entramado social que ocupan lugares muy diferentes y sin embargo no están muy alejados. 

Si queréis saber más sobre este colectivo, podéis pinchar a la derecha de nuestro Blog, en el enlace que os remitirá directamente a su página web.

Teatro de los sentidos

Tanto el formato escénico, como el lenguaje, herramientas y recursos utilizados en los recorridos, para su elaboración y diseño, proceden de la escuela/teatro de los sentidos.

Teatro de los sentidos es un núcleo estable de artistas-investigadores de múltiples disciplinas y nacionalidades que colaboran estrechamente desde hace 20 años con Enrique Vargas (antropólogo y director artísticos). Juntos trabajan con la poética de los sentidos e investigan la relación entre lenguajes sensoriales y la creación teatral. La compañía apunta su trabajo hacia un lenguaje basado en lo no dicho. Siguiendo la huella de tradiciones orales ancestrales, pone en escena el SILENCIO como condición indispensable para una comunicación entre la obra y el público. 

Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela

En 1975  se comenzó a desarrollar un proyecto social financiado por el gobierno venezolano, el cual impulsa un sistema educativo en la escuela, mediante el que se utiliza la música como herramienta esencial para la integración de las personas. Lo que comparten estas personas no sólo es música, hay mucho más que esto, se ha creado un sistema de integración.

Este proyecto está abierto a toda la sociedad, con un alto concepto de perfección musical, que contribuye al desarrollo integral del ser humano. Se vincula con la comunidad a través del intercambio, la cooperación y el cultivo de valores transcendentales que inciden en la transformación del niño, el joven y el entorno familiar. Este recurso humano está dirigido al logro de una meta común el desarrollo personal y social mediante la música.

Estás orquestas ofrecen una forma de mejorar el desarrollo, la integración y la sociabilización de la juventud y los niños, evadiéndoles así de los problemas y de la vida de marginación de cada uno de ellos, fuera de la escuela. Además estas orquestas, constituyen una salida laboral de futuro para muchos de los integrantes.

El objetivo principal de El Sistema es proporcionar diariamente a sus componentes un lugar seguro, alegre y divertido que fomente la autoestima y un sentido de valor en cada persona. Se inculca disciplina sin ser excesivamente estrictos y la asistencia no constituye un problema: los componentes están motivados por sí mismos, sus profesores y compañeros. Trabajo duro y logros reales son de crucial importancia para el éxito de El Sistema, sin embargo, la diversión siempre está presente.

El Sistema  de Orquestas, es un modelo probado de cómo un programa de educación musical puede crear grandes músicos y cambiar la vida de cientos de miles de niños pobres de un país. Su enfoque de la educación musical enfatiza una intensiva práctica grupal desde las más tempranas edades y el compromiso de mantener siempre presente la alegría y la diversión que se derivan del aprendizaje y la creación de la música. 

Esta iniciativa es  muy buena, sobre todo en un país como es Venezuela, donde existe poca formación debido al nivel económico de las personas u otros problemas. Por eso, muchos de estos niños puede que no sepan apenas leer o escribir, pero si saben leer las partituras de música y tocarla. Además es una gran forma de evadirse de los problemas familiares, sociales. Olvidarse por un rato de la vida de fuera, sentir la pertenencia a un grupo, compartir, aprender y disfrutar con lo que realmente les gusta.

Para finalizar este comentario, una frase del propio documental que resumiría todo, “todo ser humano cuando se propone hacer algo lo consigue, un don que todos tenemos, trabajar para alcanzar un objetivo”.

El esfuerzo y el ánimo

ARTE EN LA EDUCACIÓN, ARTE COMO CONTENIDO EDUCATIVO

Podemos entender la educación como arte, y a la vez atrevernos a decir que el arte puede ser un buen contenido educativo si se utiliza adecuadamente, es decir, si se lleva a cabo como herramienta para desarrollar las capacidades necesarias dentro del mundo de la educación. En este sentido, hablar del arte por y para la educación, es hablar de una transmisión cultural, y de nuevas formas de expresión.

Vamos a utilizar la danza como ejemplo, ya que es el tema del presente documental, con la danza no solo se aprenden  pasos, coreografías, y movimientos, sino que se aprende algo más valioso, como perseverancia, voluntad, motivación, vitalidad, belleza, atención, disciplina, superación, placer por lo que hacemos y por lo que vemos, expresión personal, originalidad, saber soportar y controlar la tensión, etc. Esto es aprender con otra mirada distinta a lo que estamos acostumbrados, aprender con el afán de superación, y con el objetivo de salir adelante mediante el esfuerzo. Ya que como bien aparece en el documental, “No existe el fracaso, salvo cuando dejamos de esforzarnos”.

CULTURA COMO ELEMENTO CENTRAL DEL MUNICIPIO

 Otro contenido que podemos observar en el documental, es la cultura como un elemento central del municipio. Podemos entender la danza como una fuente de transmisión cultural, ya que la compañía acerca al municipio (Lausanne) el ballet. Además la ciudad, obtiene un gran valor con la representación, ya que todo el mundo conocía al gran Maurice, y son  los propios ciudadanos los que se interesan porque ese valor siga persistiendo con el paso de los años. Al contener Lausanne, la escuela de danza, posibilita una proyección de la ciudad al exterior, ya que la compañía representa a la escuela en los diversos lugares a los que asiste, consiguiendo que el municipio se conozca allá donde vayan, y que el ballet sea la imagen del municipio.

Dentro de este apartado, también se ha de mencionar el sentimiento de comunidad que existe y que se ha creado entre los propios bailarines, ya que todos se unen y logran trabajar duro para conseguir un objetivo común. No son 30 bailarines, es un solo bailarín que se esfuerza por conseguir el mismo fin.

También cabe destacar el desarrollo individual que debe llevar a cabo cada bailarín. Es cierto que acabo de exponer que los bailarines han formado una comunidad en la que trabajan y luchan por su fin, pero para poder hacerlo conjuntamente, primero tienen que hacerlo de manera individual. Con una frase del documental se verá mejor, “Al principio es un niño que se levanta y baila, luego un bailarín que suda y se esfuerza y al final un niño que se levanta y baila”. Esto se puede traducir, a que todos tenemos un sueño, una inquietud, algo que te atrae, pero para conseguirlo debes esforzarte, sufrir, soportar la tensión, y por supuesto afán de superación de sí mismo. Ante todo se ha de tener en cuenta que cada persona tiene un proceso de aprendizaje distinto, con un tiempo y una metodología propia y que no hay que forzar, hay que dejar el tiempo necesario a cada persona. Como educadores, no hay que olvidar que una gran aportación es la de motivar hacia el futuro, crear en el sujeto unas expectativas de futuro, para aguantar el esfuerzo, seguir adelante y así cumplir un fin. Una vez conseguido esto, la persona habrá conseguido cumplir su sueño. Y una vez conseguido de manera individual, esta persona está preparada para formar parte de una comunidad, para trabajar conjuntamente, y en la que esfuerzo y superación se unen por conseguir un objetivo. Todo depende de a dónde quieras llegar, siempre llegarás a alguna parte, si caminas lo bastante

Finalmente, cuando el motor de tu vida es la pasión por un arte, cuando el esfuerzo, el ánimo, la entrega, el mido, el riesgo, la energía, la alegría, la ilusión, la angustia, el dolor, y sobre todo el apoyo del público y los esforzados intentos por conectar con él, se unifican. Se conseguirá, la merecida recompensa, que es ese aplauso que siempre llega, tarde o temprano llega… “Nuestra recompensa se encuentra en el esfuerzo. Un esfuerzo total es una victoria completa”.

Teatro de las sombras

El origen del Teatro de Sombras se remonta a los tiempos del hombre prehistórico, cuando éste hacía sombras con sus manos y su cuerpo frente al fuego de las cavernas.

Ya en el siglo IV a.C. en el Mito de la Caverna de platón se nos presentan las sombras como indicadores de la realidad que no son ellas, pero que suponen el continuo recuerdo y referencia de esa realidad del ser. La sombra, a caballo entre lo real y lo ficticio, entre el ser y el no ser, a medio camino entre lo mágico y lo religioso, suponen la imagen más palpable del mundo de lo abstracto, del mundo de las ideas, de aquello que trasciende lo que nuestros sentidos perciben.

La sombra representa en casi todas las culturas el alma como ente separable del cuerpo y capaz de sobrevivirlo. Representa la fuerza oculta o espiritual de las cosas, su aura.

La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son una invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la fantasía.

Es por ello que las sombras representan historias con una fuerte carga fantástica, por sus posibilidades de insinuar sin dejar ver, de deformar la realidad y dotarla de unas características que en otros medios sería difícil de conseguir.

La sombra nos traslada a un mundo informe, no creado, en donde se reflejan nuestras pasiones, nuestros miedos, nuestras divisiones interiores.

Esta en un plano intocable, inalcanzable. Para ejercer cualquier efecto sobre ella, es imposible dirigirse a ella de forma directa. Todo es sutil, es aparente, es de una causalidad superior. La sombra no se deforma directamente sino que se debe deformar el cuerpo o la fuente de luz que la manifiestan. La sombra solo es tocable en otra dimensión, la física.

Call me María.

La Compañía Xirriquiteula Teatre pondrá en escena en el Teatro De Rojas el espectáculo “Call me María”, de Adrian Schvarzstein y que, está incluida dentro del XIII Ciclo de Teatro Contemporáneo.

CALL ME MARÍA

En un bar de la Barcelona de los años 50, asistimos a un ritual cotidiano: todos escuchan con gran expectación y seriedad la retransmisión de un partido de fútbol.

 Su dueño, representante del orden gris y conservador de los tiempos de dictadura, no puede imaginarse que la llegada fortuita al bar de dos marineros americanos revolucionará por completo sus mentalidades.

 El Bar Manolo se convertirá en el escenario de un choque cultural, desatando una gran fiesta, donde el circo rendirá homenaje al aire de libertad que se vivió en aquella época a ritmo desenfrenado de rock’n roll. “Call me Maria” es una historia que combina circo, danza, teatro y rock & roll. Todos estos géneros se solidarizan para ponerse plenamente al servicio de una dramaturgia inédita.

 En Call me María junto a las acrobacias bailando rock’n’roll al más puro estilo americano de los años 50, aparecerán ante nosotros actores utilizando la técnica del clown y espectaculares profesionales que nos mostrarán su destreza en disciplinas tan variadas y elementos tales como Yoyos, Diábolos, Palo chino, la Rueda Cyr, el aro aéreo o los equilibrios mano a mano.